San Telmo, orgullo del barroco

Cuando Leonardo de Figueroa se hizo cargo de las obras en 1721, el proyecto de construir un Colegio de Navegantes que revitalizase Sevilla como una próspera metrópolis, se encontraba ya en un punto muerto. La falta de financiación prometida por la Corona y la marcha de la Casa de la Contratación a Cádiz habían encallado su construcción.

En menos de 10 años, Leonardo de Figueroa no solo consiguió reimpulsar la construcción, sino que hizo suyo el edificio, respetando lo previamente construido por Antonio Rodríguez a finales del siglo XVII, estableciendo nuevas trazas que organizaron para los siglos sucesivos la disposición tipológica y compositiva de San Telmo y dotándolo de un lenguaje barroco culto, de amplias referencias personales.

A lo largo de los siglos, San Telmo se ha convertido en un referente de las sucesivas etapas históricas y artísticas, aunque paradójicamente siempre de espaldas a la ciudad, debido a los diferentes usos privados que se le dieron. Primero como escuela náutica para niños huérfanos y universidad de mareantes durante los siglos XVII y XVIII; como palacio y “Corte chica” de los Duques de Montpensier durante la segunda mitad del siglo XIX; como Seminario Metropolitano del Arzobispado de Sevilla en el siglo XX; y finalmente como sede de la Presidencia de la Junta de Andalucía, función que ejerce actualmente.

Estas funciones conllevaron grandes reformas estructurales de las trazas originales de Leonardo de Figueroa, cada una más invasiva que la anterior, para adaptar San Telmo al uso de cada época. Así, en la actualidad, sólo conservamos de la época barroca el eje axial del edificio, que comprende la portada principal, el zaguán, patio central y capilla.

Palacio de San Telmo, 1860

La portada, construida en 1734 bajo la dirección de Matías de Figueroa, hijo de Leonardo y continuador de su trabajo, es una de las mejores portadas barrocas de España, con un alto valor simbólico, estableciendo referencias a su fundación, uso y conexión tanto con Sevilla como con los virreinatos americanos. A modo de retablo pétreo, el primer cuerpo representa entre sus columnas labradas los trabajos de Hércules, figura mitológica de gran trascendencia como fundador de Sevilla, y a indios americanos soportando el balcón del segundo cuerpo. Sobre éste en torno a las columnas, 6 mujeres a cada lado representan las asignaturas de las Artes del Mar que se instruían en la Universidad de Mareantes. Sobre el balcón, un relieve de Felipe V testifica la fundación y apoyo de la Corona al edificio. Finalmente, en el tercer cuerpo, se encuentran San Telmo, patrón de los navegantes, flanqueado por los santos reyes sevillanos, San Fernando y San Hermenegildo.

El patio de honor, el gran eje en torno al cual se organiza el edificio, adquiere una especial importancia decorativa, en el que Leonardo de Figueroa repite esquemas utilizados en otras de sus construcciones, como los patios del antiguo convento de San Pablo, el de la Merced o, inclusive, la fachada de la iglesia de San Luís de los Franceses. Cabe reseñar el pulcro respeto con el que Balbino Marrón, arquitecto que en el siglo XIX reformó el edificio para adaptarlo a palacio para los Duques de Montpensier, remodeló la planta baja del patio, adoptando el gusto barroco ya caduco para respetar el lenguaje del espacio. Así, llena de hojarascas los pilares y encarga a Antonio Susillo una galería de pequeños bustos en terracota de personajes ilustres que decorarán las enjutas de los arcos, siguiendo el modelo de los bustos barrocos en mármol de San Telmo y Santo Domingo que flanquean la entrada a la capilla.

Es esta pequeña capilla dedicada a Nuestra Señora de los Buenos Aires, la verdadera joya artística del conjunto patrimonial que hoy es el Palacio de San Telmo. Consagrado en 1724, el espacio más antiguo de San Telmo es hoy, lamentablemente, un lugar desconocido para la sociedad, pero que es el mejor ejemplo de la obra artística del siglo XVIII en Sevilla, donde se concentran las obras de los mejores artistas de la época: el arquitecto Leornardo de Figueroa, el pintor Domingo Martínez, el retablista José de Maestre, el escultor Pedro Duque Cornejo o el orfebre Juan de Garay. Además, conserva obras de grandes maestros de épocas anteriores, como Juan de Oviedo, autor de la imagen titular de la capilla, y Pedro de Mena.

 

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Más allá de la innegable calidad artística sus autores, la capilla conserva su programa iconográfico original, diseñado por Domingo Martínez, que gira en torno a las dos funciones que tuvo el edificio de San Telmo durante los siglos XVII y XVIII: Universidad de Mareantes y orfanato. Así, Duque Cornejo talla sendas esculturas dedicadas a los santos patrones de la infancia San José y San Antonio de Padua, y Domingo Martínez copa de niños sus lienzos, primero con obras de la infancia de Cristo, como “La imposición del nombre a Jesús” o “Jesús entre los maestros en el templo”, y finalmente con los niños que dan la bienvenida a Jesús en “La entrada a Jerusalén” o “Los niños acercándose a Jesús”. Finalmente, en el retablo principal, se encuentran los santos patrones de la navegación, San Telmo y la Virgen de los Buenos Aires, así como los apóstoles marineros, San Pedro y San Andrés.

 

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Aunque el Palacio de San Telmo es uno de los enclaves más conocidos de Sevilla, como corte alternativa que fue de los Duques de Montpensier y, actualmente, como sede de la Presidencia de la Junta de Andalucía, es una verdadera joya del barroco casi totalmente desconocida que bien merece la pena redescubrir. Un motivo más de verdadero #OrgulloBarroco.

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Branding Art: Arte y publicidad

Afirmar que el Arte ha servido de propaganda no sorprende a nadie, ha sido una de las herramientas más eficaces para señalar el transcurso de la historia y de aquellos vencedores que la escribieron.

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Cuando contemplamos el retrato ecuestre que Tiziano realizó para Carlos V no vemos solamente a un jinete armado, sino a un emperador que lucha por imponer el catolicismo en Europa y en el Mediterráneo; cuando Goya retrata a la familia del IX Duque de Osuna no intenta únicamente caracterizar a los personajes sino que quiere representar la importancia que se transmite a través del linaje; ver cualquier representación del Tío Sam nos trae a la mente el reclutamiento para el ejército americano y no la mera representación de un anciano que nos apunta con el dedo;Rosie The Riveter, uno de los primeros iconos feministas diseñado por J. Howard Miller en 1943, no representa a una mujer, sino el trabajo que ellas podían realizar cuando los hombres estaban en la II Guerra Mundial. En Arte todo tiene un significado y durante gran parte de la historia, los poderes políticos lo han utilizado en su beneficio.

Esta tendencia de uso del Arte cambia a mediados del siglo XX con el nacimiento del Pop Art, una tendencia cultural que se encarga de utilizar imágenes populares de personajes famosos, políticos, marcas empresariales, comics, etc., descontextualizándolas, para representar la realidad social del momento, a base de ironía y vulgaridad (cimiento del Kitsch). Podemos decir, entonces, que el Arte se revuelve y comienza a utilizar a aquellos que antes le utilizaban.

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Si bien es cierto que ninguna de las opciones anteriores ha desaparecido, los poderes políticos siguen utilizando el Arte para representar su poder (recuerda el retrato de Obama por Shepard Fairey) y algunos artistas siguen haciendo uso de los iconos populares (el Genio de Banksy al representar a Kate Moss al estilo Warhol), cabe destacar una nueva tendencia, el Branding Art, es decir, cuando una compañía empresarial contrata los servicios de uno o varios artistas para revitalizar su marca. Si hay una empresa que ha sabido cómo hacerlo, es Coca-Cola.

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Creada en 1886, la empresa norteamericana se ha posicionado como ninguna otra en la mente del consumidor gracias, entre algunas razones, a la emotiva publicidad que ha estado haciendo (gracias a Coca-Cola disfrutamos de Papá Noel y, además, han conseguido hacernos creer que poseen la fábrica de la felicidad). Pero también ha sabido moverse por el sector artístico. En España, Coca-Cola está creando desde 1993 una de las colecciones artísticas más importantes de Arte Actual, que se incrementa año tras año (colección depositada, y expuesta permanentemente al público, en el Centro de Arte Contemporáneo Da2 de Salamanca). Aunque llama mucho más la atención cómo Coca-Cola consiguió que grandes artistas, como WarholR. RauschenbergG. PeellaertW. Vostell o M. Escobar, crearan piezas de arte centradas en la propia marca en la década de los 60.

De esta manera, Coca-Cola ha conseguido, a través del Arte, asociar su marca a la figura de grandes artistas y posicionarse, también, en el sector cultural.

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La Realidad Aumentada y la Cultura

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Imagínatelo. Estás visitando un conjunto arqueológico. Sólo ves piedras por los suelos cuando los carteles te dicen que ahí había unas termas romanas que eran de lo mejorcito de la zona. Y tú piensas “vaya rollazo…los carteles pueden decir misa, pero yo sólo veo piedras”.

¿Y si hubiera una app en tu móvil que, enfocando con la cámara de tu móvil esas mismas piedras, te mostrara cómo eran las termas? Las cosas cambiarían, ¿verdad?
La realidad aumentada es una nueva tecnología que nos ayuda a realizarlo. Es una herramienta que ha tomado un gran impulso en los últimos años, también en España, alcanzando cotas de desarrollo cuasi-futurible. Tenemos muchas aplicaciones de realidad aumentada para casi todos los sistemas operativos (PC, Mac, Android, Iphone, Ipad…) y usuarios. Incluso el gigante Google está apostando fuerte por esta tecnología, desarrollando un adictivo juego, Ingress, que tiene ya millones de usuarios en todo el mundo. @SoyRafaCastro le ha dedicado un divertido vídeo al tema.

Más allá de los juegos, la realidad aumentada también tiene un importante desarrollo en el mundo cultural, que estamos comenzando a disfrutar. Desde hace unos años, algunos artistas e instituciones museísticas le están dedicando obras y exposiciones a esta nueva herramienta, como hizo el MoMA con la muestra ‘Augmented Reality Art Invasion!’.

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En España aún no hemos llegado a estas actividades culturales, pero sí podemos decir que le estamos sacando bastante provecho. David Ruiz, investigador de la Universidad de Granada, está estudiando los usos potenciales que la realidad aumentada tiene en diferentes aspectos culturales. Nuestros museos también están comenzando a asumir las nuevas posibilidades que nos ofrece la realidad aumentada, el Museo Nacional de Artes Decorativas nos permite realizar un paseo virtual por una cocina valenciana, y elMuseo del Jurásico de Asturias nos permite interactuar con los propios dinosaurios. Por si esto fuera poco, gracias a la app Goggles, podrás conocer toda la información que el buscador Google tiene almacenada sobre cualquier obra de cualquier museo con tan sólo escanearla con tu móvil.

Sin embargo, no todo está hecho. Como comenta @Mediamusea en su blog, tan sólo 25 museos, instituciones culturales y expositivas cuentan con una App del centro, y sólo un 0,3% de instituciones lo hacen a través de Layar, la App más popular en realidad aumentada. Recomendamos una rápida lectura al post de @SocialMuseumNet acerca de los usos que otros museos, por todo el mundo, hacen de esta nueva y potente herramienta.

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En Sevilla también contamos con una empresa que está apostando muy fuerte por la realidad aumentada. Gracias a PastView podemos darnos un paseo por la ciudad y ver a través de las gafas cómo era la Sevilla de antaño, el foro de la Híspalis romana, la Giralda de los almohades o incluso el puerto de la Metrópolis imperial.

La realidad aumentada es una herramienta del futuro, desarrollada en el presente que nos sirve para vivir nuestro pasado. ¿Qué más se le puede pedir?

‘Un Museo en la Universidad’

Capilla de Santa María de Jesús

Puerta Jerez, Sevilla

Organiza, CICUS

Hasta el 26 de Enero

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La capillita Santa María de Jesús es una de esas joyas patrimoniales que, a pesar de estar a plena vista de todos en uno de los lugares más concurridos del centro histórico de Sevilla, es lamentablemente poco conocida por la Sociedad en general.

En este pequeño enclave, trascendental para comprender la evolución de la Historia del Arte en Sevilla, el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla consigue hilvanar diferentes trazos de la propia historia de la Universidad, exponiendo el patrimonio arqueológico que adquirió en el siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX en el edificio que es lo único que queda de lo que fue la primera sede de la Universidad de Sevilla, ya que fue derribado en la década de los años 20 del siglo pasado.

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Con este mismo patrimonio arqueológico, ‘Un museo en la universidad’ propone al visitante un recorrido por las diferentes etapas del mundo prehistórico y de la historia antigua. Así, nos encontramos con herramientas en piedra tallada del periodo paleolítico como ejemplo del modo de vida nómada de los primeros humanos, vasijas en barro cocido del periodo neolítico, pequeñas representaciones de divinidades egipcias posiblemente comercializadas por las culturas orientalizantes fenicia y griega y, como no, patrimonio arqueológico del periodo romano.

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Es una exposición sin demasiadas pretensiones, con una museografía ajustada a las circunstancias, pero que termina convirtiéndose en una visita agradable debido a la excelente calidad de algunas de las piezas expuestas y a la belleza del conjunto patrimonial que representa la Capilla de Santa María de Jesús.

Como ya hemos comentado, la capilla es lo único que nos ha quedado de la primitiva sede de la Universidad de Sevilla que fundara en 1506 Maese Rodrigo Fernández de Santaella. Aunque no sabemos demasiado de cómo era este edificio, tenemos algunos elementos gráficos que nos permiten conocerlo de primera mano, como la imagen que en el Retablo de la Capilla Maese Rodrigo entrega a la Virgen de la Antigua, o la fotografía de 1899 que la Profesora Titular de la Universidad de Sevilla, María Jesús Sanz, encontró en 1977 en ‘Impressions de l’Espagne’ de María Star.

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Construido en gótico-mudéjar, la capilla es uno de los últimos ejemplos de este estilo en la ciudad, ya que el Renacimiento comienza a hacer acto de presencia. Donde mejor podemos ver esta conjugación artística es en el Retablo que, con una arquitectura de tracería gótica, juega con la pintura renacentista de Alejo Fernández.

Es, sin lugar a dudas, una magnífica oportunidad para recorrer unos pedacitos de historia de la Universidad de Sevilla.

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Mensaje de vuelta…

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Han pasado unos meses desde la última entrada en InquietoCultural. No es que las exposiciones y otras actividades culturales hayan cesado (o que yo haya dejado de visitarlas). Más bien ha sido unas semanas en las que he tenido que parar, tomar algo de aire y reorganizar un poco mis prioridades. En otras palabras, me he tomado unas vacaciones 😉

Y como todas las vacaciones, han tenido buen resultado. Ha habido tiempo para pensar y priorizar. Volvemos con algunas nuevas ideas para el Blog, siempre girando en torno al Patrimonio, el Arte Contemporáno, exposiciones y la Cultura en general.

Más actualizaciones, más presencia en las Redes Sociales, mayor interacción. No nos pierdas la pista y comparte con nosotros tus inquietudes.

¡Bienvenidos de vuelta!

La Cultura en manos del ciudadano…

No vivimos en tiempo de vacas gordas. La crisis económica hace años que azota España y parece no tener fin. Todos estamos sufriendo las consecuencias de la crisis y de la amarga, e hipotética, cura de los ‘recortes’.

El sector cultural es, a mi parecer, el más voluble dentro del marco de inversiones públicas. Todos sabemos que, para nuestros políticos, invertir en Cultura es ganar puntos de cara a las elecciones (por esta razón son numerosas las referencias a nuevos museos e instituciones culturales, itinerarios, restauraciones… que quieren vendernos en época electoral). Y bien, en algunos casos, las promesas se convierten en realidad y toda la Sociedad disfrutamos y nos aprovechamos de las bondades de dichos actos. Sin embargo, una vez inaugurado el proyecto cultural, las administraciones tienden a lavarse las manos adjudicándoles un presupuesto bastante ajustado y, siendo sinceros, cuando los problemas económicos aprietan, todos sabemos dónde suelen recortar primero.

Hoy he conocido un caso que ejemplifica a la perfección este comportamiento, el Institut Valencià de Conservació i Restauració de Béns CulturalsIVC+R.

Os recomiendo que visitéis su página institucional, en ella descubriréis todo en lo que han trabajado a lo largo de estos años, su esfuerzo y dedicación por restaurar nuestro (sí, de todos) Patrimonio y su voluntad de difundir nuestra Cultura en la Sociedad.

Lamentablemente, y como comentábamos antes, la administración pública, en este caso concreto la Generalitat Valenciana, ha decidido no seguir apoyando la labor cultural que el IVC+R ha estado ejerciendo. Todo ello a pesar de que digan en la misma página que antes referíamos, y cito literalmente, “La salvaguarda del legado cultural de la Comunitat Valenciana es un objetivo prioritario de la Generalitat”. 

La Generalitat Valenciana tiene previsto suprimir la Institución derogando mañana mismo día 19 de Octubre su ley de creación.

Nuestros políticos ya han tomado su decisión. Ahora nos toca a los ciudadanos defender nuestro Patrimonio y nuestra Cultura. Depende de nosotros. De tí y de mí. Tenemos en nuestra mano la oportunidad de decir que nosotros SÍ apreciamos lo que el IVC+R ha hecho en estos años y que, a diferencia de ellos, SÍ queremos que sigan haciéndolo.

Defiende tu Cultura. Firma esta petición dirigida a la Consellería de Turismo, Cultura y Deporte de la Generalitat Valenciana en contra de la supresión del IVC+R. Hacerlo es muy muy sencillo. Puedes firmar en la siguiente página web donde además encontrarás mucha información con en todo lo que la Institución ha trabajado.

http://www.change.org/es/peticiones/conseller%C3%ADa-de-turismo-cultura-y-deporte-de-la-generalitat-valenciana-apoyo-contra-la-supresi%C3%B3n-del-ivc-r

La Cultura está en tu mano.

Abstracción postpictórica

Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

Monasterio de la Cartuja

Bajo el punto de vista de quien escribe estas líneas, la labor realizada por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) queda como una de las mejores dentro del panorama de instituciones culturales de Sevilla. No sólo por hacer muy buenas exposiciones (el recuerdo de la exposición de Fiona Tan sigue muy presente en mi memoria), sino porque lo hacen a pesar de contar con un presupuesto muy “ajustado” que viene siendo recortado, casi por inercia, desde hace años. Tengamos además en cuenta que, a parte de esto, no tiene que ser demasiado fácil trabajar en una ciudad en la que, afrontémoslo, el Arte Contemporáneo pasa por ser bastante incomprendido.

Quizás por este mismo motivo el CAAC, y quisiera recalcar que especialmente bajo la dirección de Juan Antonio Álvarez Reyes, está haciendo notables esfuerzos por acercar lo contemporáneo al público sevillano. La labor pedagógica del Centro mediante visitas guiadas a escolares, itinerarios a las exposiciones explicadas por comisarios y críticos, cursos en colaboración con universidades y textos en la web (lástima que la Revista ‘de 11 a 21’ haya tenido tan corta vida) sirven para acercar al visitante físicamente al CAAC e intelectualmente al discurso de las diferentes exposiciones.

Uno de los aspectos que más me gustan del CAAC desde hace un par de años son las “Sesiones expositivas”. Es bien sabido que en el Centro cohabitan varias exposiciones temporales durante unos meses, lo que se pretende con estas “sesiones expositivas” es que cada una de éstas exposiciones tengan un común denominador. Es decir, hablamos de una “macro-exposición” compuesta de diferentes exposiciones (individuales o colectivas) que, a la vez y obviamente, se compone de varias obras artísticas. De manera que nos encontramos con la lectura de base de una obra de Arte, que nos sirve para construir el discurso de una exposición y, potenciando este proceso, el discurso de la “macro-exposición” o “sesión expositiva”.

En la sesión “Abstracción postpictórica” nos encontramos con uno de los procesos que, dentro de la Historia del Arte, ha sido más importante y radical. La senda de la abstracción iniciado por Kandinsky abrió un nuevo mundo de infinitas posibilidades en el panorama artístico, alejando al espectador de la visualidad de la figuración, con el significado que ello tiene, y acercándolo a las diferentes formas y colores que los artistas investigarán a partir de ese momento desde diferentes aproximaciones, como Mondriaan, el grupo De Stijl, Barnett Newman, etc etc etc. Y aunque al espectador pueda parecerle que son obras sencillas, sin la misma profundidad que las obras figurativas pueden tener, lo cierto y verdad es que en ocasiones pueden llegar a ser bastante más complejas y plurales, ya que cada artista abstracto lo afrontará de una manera distinta.

De hecho, con las cuatro exposiciones individuales de la sesión “Abstracción postpictórica” se nos recalca éste punto de diversidad de acercamientos a la pintura abstracta.

Ruth Morán. Psicografías.

La serie que presenta Ruth Morán (Badajoz, 1979), artista ganadora de los premios de pintura Focus-Abengoa en 2007 y Ciudad de Badajoz en 2008, es su obra más reciente realizada en este año 2012, durante su estancia en la Academia de España en Roma, utilizando papel, temple vinílico y rotulador de tinta.

Etimológicamente, ‘psicografía’ significa exponer gráficamente los estados del alma. Ruth Morán aborda estas obras mediante una pintura molecular, construyendo grandes formas concentradas en una banda, a priori caóticas, mediante una sucesión de incontables trazos/gestos plateados sobre el fondo oscuro, de una manera muy parecida a como lo hicieran los pintores gestuales españoles de la década de los setenta. Lo que en un principio, desde una vista global de la obra, pudiera parecernos caos, resulta ser una construcción equilibrada, ordenada y racional, si nos fijamos en el detalle. La artista establece una relación entre espacio, forma y luz (contrastando blanco y negro) para formar bellos “paisajes” abstractos del alma humana.

Paloma Gámez. Violeta.

La artista (Bailén, 1964) ha realizado esta serie expresamente para el CAAC. La serie, como todos los trabajos de Paloma Gámez, queda en relación a otras realizadas anteriormente, Verde y Rojo, a modo de autorreferencialidad, así como con la exposición que celebró el año pasado en la Casa Encendida titulada ‘Carta de Color’.

Paloma Gámez investiga la abstracción desde una aproximación totalmente diferente, se centra en el color en sí, en este caso en el color violeta (con todos sus matices), y en los espacios que ocupa, involucrando al espectador. El resultado es una exposición lírica, donde podemos disfrutar del mero placer de los diferentes tonos de la materia expuestos, algunos de manera impresa o pintada, y otros desde su mismo origen, la luz.

José Soto. Campos de color.

Hablar de José Soto (Sevilla, 1934) es hacerlo de uno de esos personajes que son historia viva del Arte comtemporáneo en la Sevilla del siglo XX, cosa que ya da bastante respeto. Pero teniendo en cuenta, además, que el propio comisario de la exposición individual, Juan Bosco Díaz-Urmeneta, presenta un texto sobre la misma, invitamos vivamente a su lectura para comprender plenamente la labor del artista.

Formado en la facultad de Bellas Artes, junto a Carmen Laffón, Paco Cortijo, Pérez Aguilera, etc. José Soto es uno de los primeros artistas sevillanos, a pesar de tener una etapa figurativa, que afrontaron el difícil reto de la abstracción. Desde un primer momento la influencia americana, que tenía su origen en las revistas que los soldados americanos traían a la base de Rota, se estableció como obvia. Soto conoció también así la obra de Rothko, Mondriaan, la Bauhaus, etc. aunque fue en Barnett Newman y el color-field painting donde encontró la inspiración para su propia Obra, donde la linea y el plano son las protagonistas, evitando el rigor geométrico.

Una de los aspectos más positivos de la exposición es la confrontación de obras antiguas con otras de nueva creación. Aunque José Soto nunca abandonó el panorama artístico, ha sido profesor de dibujo, diseñador de exposiciones y comisario, en 1975 abandonó la pintura. Hasta el 2012, fecha en que ha vuelto a ponerse manos a la obra en su labor de pintor para afrontar retos que antes no pudo enfrentar, como el problema de la escala. Con ‘Espacio continuo en diagonal’ Soto vuelve a la creación artística con una obra ideada para envolver al espectador.

José Piñar. Remasterizaciones y grandes éxitos.

Con la individual de José Piñar (Granada, 1967) comprendemos la infinidad de caminos que existen hacia la abstracción. Y si en José Soto hemos visto como, a pesar de 40 años de diferencia entras las obras nuevas y viejas, su acercamiento a la abstracción no ha cambiado. En Piñar vemos lo contrario, como si de un disco se tratara, afronta su producción artística de los últimos 20 años para reflexionar sobre ella.

El artista tiene una enorme producción, expuesta casi completamente en el CAAC, y en el que pueden diferenciarse varias formas de aproximarse a la pintura abstracta. En una sala se ha decidido juntar un gran número de obras de diferentes años, a modo de ‘estudio del artista’ donde se superponen unas a otras, en la que podemos ver cada uno de los cuadros, pero también unirlos para crear nuevas composiciones (la fotografía superior es una panorámica de cómo ha quedado la sala expositiva). Es un proceso que he disfrutado mucho durante mi visita, buscar pequeños rincones entre las diferentes obras para crear otras nuevas. La imagen que abre este post fue mi punto favorito.